Elementi di composizione: movimento

Il movimento nell'arte può riguardare diversi concetti:

(A) C'è il termine generale "movimento" come nello stile e nella scuola d'arte.
(B) C'è movimento come rappresentato in un dipinto che implica il movimento fisico di un oggetto sovrapponendo istantanee nel tempo. (Come usato nello stile particolare dei Futuristi e dei Vorticisti, per esempio. Un esempio è Dynamism of a Dog on a Leash di Giacomo Balla, ora alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, New York).
(C) Poi c'è il movimento come parte della composizione.

Guidare l'occhio dello spettatore in un viaggio

Il movimento è la creazione di un senso di flusso e riflusso attraverso un dipinto che lo trasforma da sfondo passivo a un'estensione dinamica della psiche dello spettatore, la creazione di una inter-reazione che porta lo spettatore in un percorso di scoperta. Il movimento in questo caso è l'opposto di statico, blando, non emotivo e poco interessante. Questo è ciò che ci interessa quando parliamo del movimento come elemento di composizione nell'arte.

Quando crei movimento in un dipinto, pensa alla coreografia del processo, a ciò che stai rivelando al pubblico, a ciò che viene lasciato all'immaginazione. Un dipinto dovrebbe essere una domanda, non una risposta. Chiamare l'immaginazione del pubblico consente a diversi spettatori di interagire in modi diversi, motivo per cui si consiglia di lasciare sempre qualcosa di non detto in un dipinto, per dare al pubblico la possibilità di un'interazione unica.

Il dipinto dovrebbe rivelarsi lentamente al pubblico, dovrebbe offrire angoli e fessure che portano fuori dal percorso principale. In altre parole, il dipinto dovrebbe essere un viaggio, non la destinazione. Un dipinto che offre solo un punto di vista statico non è meglio di uno scatto di vacanza (fornirebbe al fotografo una chiave per i propri ricordi, ma sarebbe semplicemente un'immagine arbitraria per chiunque non sia coinvolto emotivamente). L'artista dovrebbe incoraggiare lo spettatore a interagire con il soggetto, a imparare e crescere. Il dipinto può essere un semplice aneddoto o un racconto eroico, ma dovrebbe parlare allo spettatore con la gioia di una storia che viene svelata.

L'artista è un conduttore, portando l'occhio dello spettatore attraverso il dipinto usando una miriade di tecniche che danno al dipinto una sensazione di movimento, sia attraverso lo spazio, o il tempo, o anche l'emozione. Il movimento può essere dato in un dipinto attraverso un'immagine forte e fondamentale, diciamo lo scorrere di un fiume; dalla luce di un dolce sole serale, che implica il trascorrere di una giornata; oppure attraverso l'emozione di un ritratto impreziosito dal simbolismo iconico circostante, che mostra come la figura sia arrivata a quella sensazione. Il movimento può essere ottenuto anche attraverso l'effetto della crescita o del decadimento. Una vivacità che infonde il soggetto e dice allo spettatore, questa è la vita, questo è il movimento.

Che cosa si può fare? Il primo punto è pensare in termini di composizione complessiva, da dove vorresti che iniziasse l'occhio dello spettatore (ricorda che in Occidente, lo spettatore di solito inizia dall'angolo in alto a sinistra di un dipinto, poiché ci viene insegnato fin dalla tenera età leggere in quel modo). Da sinistra a destra, dall'alto in basso è la norma, ma una composizione forte può attirare l'occhio del pubblico contro tale condizionamento.

Il movimento può essere indicato dal flusso degli oggetti nel dipinto, dalla loro disposizione e modello; attraverso l'uso della prospettiva. Il movimento può essere implicato dalla direzione che le figure affrontano: un dipinto passivo avrebbe una direzione raggruppata sinergica, mentre la casualità nella direzione delle figure darà una vitalità selvaggia ed energetica a un dipinto.

Successivamente l'artista può considerare l'uso del colore (inclusi effetti ottici come il blu che si allontana dall'occhio e il rosso che si avvicina); tratto di pennello (la creazione di segni può aumentare il flusso del dipinto attraverso la loro direzione, oltre a dare una velocità al movimento attraverso la variazione della dimensione della pennellata); il modello di luce e ombra; e tono (che è importante per la visione periferica, e quindi può distogliere l'occhio da un soggetto centrale). Considera l'idea di rafforzare le principali direzioni di movimento facendo eco (ad esempio, facendo scorrere le nuvole nel cielo allo stesso modo delle onde sul mare) e pedalando (riportando l'occhio al punto di partenza, in modo che il viaggio possa ricominciare) .

Guardando il dipinto di Vincent van Gogh sopra, il senso di movimento più evidente è nelle onde, la fila su fila di interruttori (contrassegnati come # 1). Poi c'è il banco di nuvole (n. 2), che sembra soffiare verso destra, creato sia dalla forma delle nuvole che dalla direzione delle pennellate. La forma delle nuvole riecheggia la forma dell'onda. In primo piano le nuvole hanno proiettato un'ombra (n.3), dando un senso di luce cangiante alla scena. Le posture, le posizioni e le dimensioni relative delle varie figure (n. 4) danno la sensazione che alcune siano più lontane da noi, mentre camminano verso la barca. Guarda come la figura a destra (# 5) sembra essere piegata, a grandi passi nel vento!

Tutte le piccole cose si sommano, lavorando l'una con l'altra per creare l'atmosfera generale e il senso delle cose che accadono e si muovono. Guarda come la bandiera rossa in cima all'albero sta sbattendo al vento (# 6). Il suo colore è ripetuto in alcuni altri punti del dipinto (a partire dalla camicia che indossa la figura nella barca), lavorando a quell'altro elemento della composizione, l'unità. Il colore rosso emerge anche dal dipinto contro il cielo blu opaco, ci dice che la barca è al centro dell'attenzione e che le figure sulla spiaggia stanno facendo la loro parte nel suo varo. Fermati un minuto a pensare a quante informazioni hai letto in quel piccolo tocco di vernice: direzione del vento, forza del vento, che c'è vento (o la bandiera sarebbe floscia).

Ricorda sempre che il movimento nella composizione è un'espressione del viaggio che il pubblico intraprende con te, l'artista, come guida. Anche il più piccolo componente può dare un movimento pittorico.